Мои отношения с пастелью еще со времен художки были очень нежными и в сравнении со всем остальным техниками, работы пастелью получались у меня особенно хорошо. Даже ни одной из пленэрных работы у меня не сохранилось – все они пошли в натурный фонд другим ученикам показывать. После того как я поступила на Физфак, пастель, как и все остальные материалы я в руки много лет не брала. И если вернуться к акварели было куда проще, то встреча с пастелью у меня была запланирована аж на следующий год. Разве что перед тем как уволиться, я не поленилась запастись еще и небольшим набором пастели, но дальше рисования на открытых вебинарах дело не шло.
Но тут стало известно что на пленэре в Абрамцево можно будет порисовать под руководством волшебной Ольги Абрамовой! Поэтому когда всё вокруг вело к принятию решения ехать в такую даль, я подумала, чтобы порисовать в одной из уже хорошо известных мне техник ехать на противоположный конец "не ближнего Подмосковья" смысла нет. А вот сбыть еще одну мечту - порисовать пастелью, да еще и на пленэре, как когда-то-сто-лет-назад-в художке - ДА!
А уж когда я очнулась после пролетевших в одно мгновение трех часов мастер класса, я поняла, что очень хочу поделиться этим вдохновляющим событием с вами. Поэтому от всей души желаю вам приятного прочтения ;)

Опущу подробности того, как мы туда добирались, какие молодцы организаторы, как было красиво на территории усадьбы, и перейду сразу к описанию того, что было на самом пленэре у Ольги, ибо букв и так будет много, а цели прорекламировать мероприятие у меня нет).

Натура

Ольга выбрала вот такой прекрасный вид на домик и яблоневый сад на холме у реки. Комментарии тут излишни, кроме того что изначально в работе погода предполагалась пасмурная и загадочно туманная, а не солнечная как на фото, поэтому не удивляйтесь, что финальные работы несколько отличаются по колориту :)

List img 5668

Вместо предисловия

Далее буду пересказывать то что нам рассказывала Ольга. Этот конспект делала частично со своих воспоминаний, частично со своих заметок, частично со своих видеозаписей с мастер класса, поэтому что-то тут будет мною перефразировано, а что-то практически дословно повторять слова Ольги, поэтому многочисленные фразы вроде "Ольга говорила что.." буду опускать, а откровенные цитаты делать откровенными цитатами. Попутно буду делиться какими-то своими наблюдениями и заключениями, ибо пишу это все не только ради того чтобы бездушно ретранслировать все это для вас, но скорее для сведения в единую систему координат старых знаний со вновь полученными и их систематизации, чо уж. И конечно же, я буду помечать места где будет моя откровенная "отсебятина", дабы не выдавать свое мнение за чужое. Да, вполне возможно, что кто-то из вас мог бы услышать в словах и увидеть в последовательности действий Ольги что-то иное, так что прошу это учитывать, делиться вашими мнениями и наблюдениями в комментариях под статьей - мне будет очень интересно; и конечно же не принимать слепо на веру и все перепроверять на своем опыте ;)

Подготовка к роботе: эскиз на небольшом формате

1. Композиция на листе: кадрирование

В первую очередь необходимо определить какие объекты натуры войдут в композицию, а какие нет и разместить все элементы, о которых вы хотите рассказать, на листочке. Это похоже на кадрирование фотографии натуры на телефоне. Необходимо выбрать главное - то что особо нравится. Если вдруг в натуре нет ничего такого, что вас бы цепляло, то возможно не стоит это рисовать, а стоит поискать другую, более подходящую именно вам натуру.
*Тут я на всякий случай помечу, что последнюю фразу Ольга говорила, рассказывая про себя, и явных рекомендаций не рисовать то что не нравится не давала, а от себя я еще добавлю что делать стоит только так как подходит именно вам ;)

Художнику ничто не мешает сделать акцент на том что нравится.

Я тогда еще вспомнила как давилась некоторыми, совсем непривлекательными для меня референсами с курсов и пыталась их рисовать. Да, изредка некоторые из них получались неплохо, на каких-то на меня даже снисходило озарение, но большинство из них с моей точки зрения не получались вовсе... И я задумалась, может быть художнику и правда не стоит себя "насиловать", заставляя рисовать то, что не вызывает в нем эмоций? И может быть по аналогии с той поговоркой: "развивая в себе сильные стороны мы становимся гениями, а развивая слабые - посредственностью", когда мы рисуем то к чему испытываем бОльшие эмоции, мы с большей вероятностью нарисуем шедевр? И может быть то что нам больше всего нравится в натуре и находит наибольший отклик в нашем творчестве соответственно дает наилучший результат? Но если мы в равной степени можем прекрасно нарисовать и то и другое? Не значит ли это что мы достигли определенной степени мастерства? И да, когда вы только начали рисовать и сели за свой первый объем шара, куба или цилиндра, думаю этот совет к вам не очень относится, тут в ход пойдет другая поговорка: тяжело в учении легко в бою. Отрабатывать базовые вещи за вас никто не будет, а оставшись не отработанными хуже будет только вам, и никому другому.

Это было небольшое ритори(лири)ческое отступление, но продолжим :)

Более того, продумывая композицию можно изменять размеры отдельных элементов и двигать их относительно друг друга, исключать ненужные и так далее для создания наилучшей композиции. Все это вам подвластно!
*конкретно дословно этих слов Ольга не говорила, и эти выводы я делаю из наблюдений того что она рисовала на эскизе.

Для наглядности я обрезала фотографию максимально приближенно к тому как выбирала и рассуждала Ольга:

List img 5668

в этой композиции ее зацепила яблонька с витиеватым стволом перед домиком, и она нарочно сделала ее больше. Подчеркнула контраст светлой яблони и темной ели, а не приглянувшуюся березу и вовсе не стала включать в композицию. После того как все элементы расположились на листе, Ольга перепроверила все ли ее устраивает, подвинула берег и уровень воды выше, сам слой воды сделала меньше (на фото видно что вырезанный прямоугольник слишком вытянутый), чтобы поместился кусочек отражающегося в воде неба и добавила темные травинки на первом плане для акцента и эскиз был готов.
Я схематично линейно повторила расположение выбранных ею объектов на своем эскизе:

List img 6818

2. Композиция и тоновой разбор

Очень хочу заострить ваше внимание вот на чем. Рассказывая про композицию, Ольга оперировала сразу и тоновыми отношениями и формами объектов. На эскизе Ольги отдельные элементы появлялись сразу же определенного тона. Мне это на первый взгляд показалось сложновато. То что вы прочитали выше про композицию - это моя попытка отделить композицию линейных контуров предметов от композиции тоновых пятен. Хотя именно на этом пленэре до меня дошла их неотделимость друг от друга. И осознание такого подхода меня сильно поразило. В своих работах я интуитивно стараюсь делать то же самое, но пока лишь последовательно, так же как об этом я пишу тут. У меня пока нет ответа как "правильно", но подозреваю, что так, как удобно и ведет к грамотному распределению форм и тонов на листе будущей работы ;)

Подробности не так важны как ощущение и тональное решение работы

Достаточно тёмная масса, рисуем ее в самый верхний край листа. Но она не должна быть темнее чем маленькие акценты с первого плана (трава у воды). И если сама масса травы на переднем плане достаточно светлая - намного светлее леса, то отдельные травинки будут намного темнее чем лесная масса в целом, потому что передний план обладает бОльшей контрастностью*.
На эскизе Ольга очень условно показывает перспективу для домика, но тем не менее не обходит ее стороной. Домик находится выше линии горизонта на холме, поэтому все горизонтальные линии домика идущие от ближнего угла, направлены вниз (вправо и влево) к двум точкам схода на линии горизонта.
Каждый из элементов который появлялся на эскизе Ольга сразу заштриховывала соответствующим натуре и ее замыслу тоном, не вдаваясь в подробности. Так, например, все деревья и кустарники Ольга отмечает как кружочки (крона яблони) и овальчики (кусты слева), и поначалу оставляет их не закрашенными. Серый цвет бумаги уже задает им определенную тональность. А вот тени под деревьями помечает сразу (я кстати на эскизе про них вспомнила не сразу :)

* Это происходит за счет световоздушной перспективы: чем дальше от нас объекты, тем бОльший воздушный слой нас от них отделяет, и тем более приглушенными они нам будут казаться. Это справедливо больше в классическом (академическом) рисунке. Поэтому так же стоит помнить, что бывают и исключения, ярким примером может служить наведение фокуса на дальний план и размытие ближнего.
Или же, например в скетчинге (и почему бы не в скетчинге той же пастелью?) возможен выразительный прием, когда для главного пусть и в дали выбирается максимальный контраст, например, черно-белое, а для всего второстепенного, но на ближних планах контрасты светло серого и темно серого, для самых отдаленных от главного участках контрасты серое-серое.

List img 6820

Между домом и кустами, чтобы их разграничить, добавляет тона.
Добавляет тень под яблоней.

List img 6821

Справа от яблони показывает темные лапы ели, опять же для контраста.

List img 6822

Спускается вниз и обозначает более темный тон травы на границе земля-вода, добавляет более темный тон воды, и замечает что места для отражения неба в воде осталось не так много и, ничего не стирая, поднимает границу воды выше, почти на середину листа

Я специально это делаю (имеется ввиду исправления на эскизе) чтобы вы не боялись думать на листе и что-то исправлять :)

После того как Ольга поднимает границу земля-вода, эта граница оказывается почти на середине листа (я сразу нарисовала на эскизе линию там, где она оказалась в итоге). И, хотя композиционно делить лист по полам границей земля-вода не очень хорошо, за счет плавного изменения тона от верхней части листа к нижней (т.е. за счет отсутствия резких тоновых границ) явного деления пополам не происходит. И вот тут композиция наиболее тесно взаимодействует с тоном!!! И опять же тут сделан акцент на том, что правила правилами, но художник сам решает нарушать ему эти правила или нет. Хотя, думаю, знать об этих правилах в любом случае нужно :)
А вот я, взяв не самый удачный по тону мелок, и выполнив все рекомендации, не получила нужных мне контрастов сразу:

List img 6823

Поэтому я добавила сверху еще более темный мелок, чтобы суть всей этой писанины выше была более очевидна, и похожа на то что было у Ольги.
А после того как на эскизе появились все элементы с нужным тоном, Ольга белым карандашом добавила несколько светлых акцентов, выделив то главное, что ей понравилось на натуре больше всего: отражение, кувшинки, засветы на яблоне, кустах и склоне холма. При этом добавила, что в отличие от эскиза в работе эти элементы будут более приглушенными.

List img 6825

В итоге для эскиза понадобилось 5 минут времени с учетом всех объяснений. Пожалуй, это даже быстрее чем вы дочитали до этого самого места ;)
Серая(цветная) бумага, выполняющая роль среднего тона, темный карандаш (а в моем случае два мелка - темно зеленый и черный) для темного и очень темного тона, и белый карандаш для акцентов. Все.

Вот какая-то такая мысль должна присутствовать в вашем эскизе. Попробуйте. На него много времени тратить не нужно. Но вам нужно поместить все элементы про которые вы хотите рассказать на одном листочке.

После того как все выполнили тоновой эскиз и Ольга прошла посмотрела у кого что получается, она приступила к рассказу и показу о том как вести саму работу....

Материалы

С собой у меня был тот самый маленький набор мягкой пастели Sennelier (24 цвета) для пейзажей, и выданный организаторами минимально необходимый набор оттенков мелков Rembrandt. Рисовали на листе серой пастельной бумаги. Название я к сожалению не запомнила, т.к. материалы меня на тот момент волновали намного меньше чем информация, которую собиралась нам рассказывать Ольга.

Палитра

Способ составления палитры в пастели мне очень напомнил способ составления палитры маркеров. Набор: светлые, средние и темные тона, чтобы была возможность правильно заложить тоновые отношения. Насколько я поняла, так же как же как в маркерах нужны какие-то яркие цвета для акцентов. В нашем случае это были мелки цвета сочной зелени - аналог May Green в акварели и прохладный бирюзовый. И думаю так же как и по аналогии с маркерами могут пригодиться разнообразные серые оттенки. Кстати недавно на онлайн мастер классе Елена Таткина так же говорила про полезность разнообразных серых мелков.
Но Ольга рассказала еще один интересный способ сделать скромную палитру более разнообразной: если использовать для каждого цвета цвет противоположный ему по цветовому кругу, то цвет полученный в итоге будет более интересным и благородным! Помню этот же совет был и на курсе масляной живописи, как рецепт получения разнообразных коричневых, но там я как-то не придала этому особого значения. А тут для меня это стало приятным открытием. Хочу теперь и в маркерах это попробовать, возможно там это тоже принесет свои плоды :)

Приступаем к основной работе

1. Располагаем основные элементы на листе согласно эскизу пастельным мелком или пастельным карандашом темного тона.

В пастели принцип работы от темного к светлому, как и в масле, что сильно отличается от тех же маркеров и акварели, поэтому старайтесь светлые мелки класть на бумагу в самую последнюю очередь, иначе велика вероятность что их будет сложно перекрыть более темными мелками поверх. Я не поверила и решила проверить сама - все так :)))

2. Потом мягко, держа пастельный мелок плашмя (широкой стороной) начинаем забивать пространство листа чтобы просвечивала фактура бумаги. Это нужно для того чтобы потом можно было добавлять другие цвета и тона.

List img 6840

получается вот такое мягкое облачко

А после того как Ольга затемнила основные элементы тёмно зелёным мелком, у неё в руках появился карандаш ярко розового цвета и она смеясь сказала:

Вы наверное думаете, что я делаю с красным карандашом в зелёных насаждениях? Я сейчас буду гасить свет достаточно яркий и активный на более сложный. Гасить это значит делать его более нейтральным. Это можно делать, например тёмно-синим, тёмно-фиолетовым, маджентой, и так далее. Тем что найдёте :) *

*палитра выданных мелков была достаточно скромной, поэтому Ольга рисовала тем же набором мелков, что был роздан организаторами всем участникам, поэтому повторять ее действия было максимально просто. Такое отношение к участникам мастер класса меня очень подкупило ^__^

Причём гасить цвета нужно противоположным цветом цветового круга.
Ольга привела пример:
На ярком солнце на зелени вблизи появляются желтоватые оттенки. Поэтому сначала на лист нужно положить зеленую или оливковую пастель более темного или среднего тона и только после этого поверх нужного нам тона добавлять нужный цвет сочной зелени.
А вот на дальних планах, с яркой зеленью нужно быть аккуратнее и не добавлять туда чересчур активных, ярко жёлто-зелёных оттенков, поскольку дальний план находится дальше и воздух делает их более нейтральными. Снова привет законам свето-воздушной перспективы :)
Поэтому чтобы ее передать, в зеленовато-жёлтый можно добавить немного противоположного ему по цветовому кругу оттенка фиолетового, который сделает его более нейтральным и приглушенным. Смешение цветов в пастели происходит или за счет наложения "заливок" (честно говоря не знаю как это могло бы называться) разных цветов друг на друга, или за счет перекрывающих друг друга штриховок.

List img 6842

вот так и смешиваются два цвета

3. Набираем основные цвета нужного нам тона на листе не растушевывая их.
Ольга, например добавляла в "зелень" много "незеленых" оттенков, и выбор был очень интересный - это надо обязательно хоть раз увидеть в живую! Накладывала штриховку одним мелком поверх другого примерно так как на фото выше.
Тут нужно отметить, что рисовала она теми же цветами мелков Рембрандта, которые были у нас. Поэтому из-за ограниченности палитры совершала намного больше действий, чтобы намешать нужный тон и цвет, чем если бы это была работала мелками из ее собственной палитры. Мелки Рембрандт, такие же как мелки Ван Гога "хитрые". Они твёрдые, и поэтому не любят вот таких жёстких прикосновений как на фото ниже. От них сильно травмируется бумага. Поэтому их нужно наносить мягко (плашмя, как на фото выше), а вот растушевывать жёстко, то есть очень тщательно потом руками втирать в бумагу.

List img 6841

Техника Ольги - это растушевки, а потом поверх них каких-то уточняющие детали

Сначала тонально забиваю лист: тени, синий плюс зеленый дают более мягкий цвет в тенях, это подфонок для тех темных дырочек которые мы видим. Потом почти все это уберу, но у меня сразу уже будет задана глубина какими-то теневыми вещами. Не на абразиве удобнее делать подфонок мягкими мелками, а уточнять более твердыми

4. После того как набраны основные тона можно приступать к растушевкам. Постарайтесь полностью убрать фактуру бумаги (это справедливо для тёмных тонов). С помощью них мы создаем глубину и темноту, которую на натуре мы видим за просветами светлой зелени.
Когда поверх первой растушевки будете накладывать второй слой, он уже будет растираться гораздо легче.

Так, например, темная наждачная бумага, как на последнем вебинаре Елены Таткиной, может заменить собой весь этап растушевок. Но темная бумага она все равно останется равномерно темной, а здесь мы создавали сложный и интересный подфонок. Но и времени на это потратили раза в 3-4 больше.

Самое интересное, что Елена Таткина тоже рисовала на том самом пленэре, а потом в одном из своих прямых эфиров упоминала рекомендации Ольги, но вы наверное и так сами все видели :) Меня очень поразил тот факт что такие известные художницы тоже знакомятся с творчеством друг друга, а потом я подумала, а что в этом такого-то?)

Чем тверже мелки которыми вы будете работать, тем дольше и аккуратнее нужно будет намешивать нужный тон. Когда же вы работаете мягкими мелками, например Schmincke или Terry Ludwig, нужная масса (тон) набирается намного быстрее. При мягкой пастели требуется намного меньше намешиваний и она совершенно другая. А твердая пастель, например, очень хороша для абразивной бумаги.

В пастели справедлив принцип от темного к светлому. После того как мы проложили самые тёмные тона и пятна и растушевали их можно двигаться дальше.

Работайте плоскостями, забивайте средний тон и потом уточняйте более светлые и более темные участки. Те формы предметов, которые пропадают восстанавливайте по ходу работы по мере необходимости.
Работа видна будет в самом конце и пусть вас не пугает то, что в процессе работа похожа на какое-то странное месиво :)

Этот принцип сильно отличается от скетчинга, когда на каждом этапе работы изображение должно казаться законченным. В пастели все начинается с туманного облака и потом уже вы постепенно начинаете корректировать какие-то детали. Но если вы сразу не сделаете правильных тоновых отношений, не заложите нужных тёмных участков, вы не сможете потом вытащить светлые элементы.

Например, чтобы показать светящуюся яблоню, нужно вначале полностью создать её окружение. Все что находится вокруг неё: лес за домиком, крышу дома, его стену, тени под самой яблоней, тёмные ветви ели перед ней и так далее. Без этого вы не сможете показать самой яблони. Именно поэтому Ольга специально изменила место расположения яблони на листе таким образом, чтобы светлая часть кроны находилась на фоне тёмного лесного массива за домом, а тёмная часть кроны яблони как раз пришлась на светлую крышу. Чтобы показать корявенький ствол, так хорошо характеризующий яблоню, Ольга тщательно проработала тень за и под яблоней, подготовив это пространство для светлого ствола дерева. При этом все эти участки за и под яблоней, к моменту ее появления на листе должны быть проработаны и растушеваны, чтобы поверх них можно было уже положить тон и цвет яблони.

За счёт всех этих контрастов Ольга акцентируют внимание на яблоне, показывая то что ей приглянулось в натуре во всей ее красе.
Честно говоря, я смотрела во все глаза как она это делает. А кто-то из участников с придыханием сказал "Волшебствоо" :)

Работа пастелью подобна волшебству, т.к. на работе у вас все возникает последовательно.

Для света на яблоне Ольга выбрала очень интересное смешение нежно бирюзового мелка со светло зеленым. Яркий желто-зеленый цвет положенный поверх бирюзового, смотрится более приглушенным, чем тот же ярко жёлтый, положенный поверх теплого зелёного на передних планах. Бирюзовый не дает яркому теплому оттенку слишком сильно выделяться на дальнем плане. И весь свет на дальнем плане делаем мягче. Опять же во имя световоздушной перспективы.

В пейзаже на пленэре выбирайте для себя понравившиеся тоновые и тепло-холодные отношения и придерживайтесь их.

Те формы предметов, которые пропадают восстанавливайте по ходу работы по необходимости сверяясь с эскизом.

Пленэр - это всегда схватить главное. Постарайтесь не ставить себе задачи сделать шедевр, который будет нереально прекрасен, закончен и восхитителен. Дальше вы разгоняетесь. Постарайтесь себя расслабить, посмотреть на то что вам нравится в пейзаже, вытащить самое главное - это будет достаточно харизматичная работа. Получайте удовольствие, делайте быстро, делайте харизматично, схватывайте главное, потому что пленэр это не то что должно быть прямо финиш законченным и супер супер там всё сделано.
Основная работа, все что вы видите у меня - это работа в студии, которая перерабатывает совершенно ваше восприятие с того что вы взяли на пленэре.
Пленэр нужен. Он дает интересные цветовые сочетания, необычные формы, и какие-то состояния. Но не забывайте, что пленэр это рабочий процесс и его всегда использовали как рабочий материал.
List img 5670

Работа Ольги Абрамовой на пленэре в усадьбе Абрамцево


List img 5671

И моя работа с видом на натуру

Я очень рада что решилась поехать на этот пленэр именно на мастер класс по пастели и познакомилась с волшебным творчеством Ольги Абрамовой. Она потрясающая и я очень рекомендую вам познакомится с ней в живую, даже если пастель это не ваша техника.
Больше работ Ольги и о ней самой можно посмотреть и почитать тут:
в инстаграме @olga_abramova_art
в ЖЖ tapiola.livejournal.com
и на сайте художницы pastels.ru

List img 5712

И уже дома при хорошем свете :)

0 комментариев
    Оставить комментарий